En blød raslen af papir, den blide strøm af blæk på rispapir - sådan begynder det japanske maleris historie, der snor sig gennem århundrederne som en stille flod. Mens oliemaleriet i Europa overvælder sanserne med dramatisk lys og overdådige farver, fokuserer japansk kunst på det uudtalte, det antydede, det, der ligger mellem linjerne. Japans nationale historie, der er præget af lange perioder med isolation og pludselige åbninger, afspejles i landets kunst: Den er en afspejling af balancen mellem tradition og innovation, mellem nærhed til naturen og urban modernitet.
Forestil dig at se på et ukiyo-e træsnit af Hokusai: "Den store bølge ud for Kanagawa" tårner sig op, kraftfuld og alligevel fuld af elegance, mens Mount Fuji virker næsten genert i baggrunden. I modsætning til den italienske renæssance, som satte mennesket i centrum, er naturen altid hovedpersonen i Japan. Kunstnerne - fra Sesshū Tōyō, hvis monokrome landskaber virker som meditationer, til Hiroshige, som indfanger øjeblikkets flygtighed med sine farvetræsnit - forstår at hylde det flygtige, det forbigående. Selv i det 20. århundredes fotografi, f.eks. hos Daidō Moriyama, er denne fornemmelse for det flygtige stadig til stede: Kornede sort-hvide billeder, der indfanger det pulserende liv i Tokyo, ser ud som moderne modstykker til de gamle træsnit.
En overraskende detalje: Teknikken med farvetræsnit, som modnedes til perfektion i Japan, inspirerede senere de franske impressionister. Monet, van Gogh og Degas indsamlede japanske tryk, studerede den todimensionelle komposition, de dristige udskæringer og reduktionen til det væsentlige. Men mens maleriet i Frankrig blev en scene for lys, forblev det i Japan et sted for stilhed og kontemplation. Takeuchi Seihōs akvareller, for eksempel, hvor en enkelt trane står på en snedækket jord, fortæller os mere om den japanske sjæl end tusind ord. Og selv i dag, i Yayoi Kusamas samtidskunst, dukker de gamle mønstre stadig op: Prikker, gentagelser, legen med tomhed og fylde - et ekko af århundredgammel æstetik.
Enhver, der beskæftiger sig med japansk kunst, træder ind i et rum, hvor det usynlige er lige så vigtigt som det synlige. Her bliver det hvide papir til et hav, penselstrøget til et vindpust, motivet til en meditation. For kunstelskere og samlere af kunsttryk åbner der sig en verden, hvor hvert billede er en invitation til at stoppe op et øjeblik - og til at opdage det væsentlige i stilheden.
En blød raslen af papir, den blide strøm af blæk på rispapir - sådan begynder det japanske maleris historie, der snor sig gennem århundrederne som en stille flod. Mens oliemaleriet i Europa overvælder sanserne med dramatisk lys og overdådige farver, fokuserer japansk kunst på det uudtalte, det antydede, det, der ligger mellem linjerne. Japans nationale historie, der er præget af lange perioder med isolation og pludselige åbninger, afspejles i landets kunst: Den er en afspejling af balancen mellem tradition og innovation, mellem nærhed til naturen og urban modernitet.
Forestil dig at se på et ukiyo-e træsnit af Hokusai: "Den store bølge ud for Kanagawa" tårner sig op, kraftfuld og alligevel fuld af elegance, mens Mount Fuji virker næsten genert i baggrunden. I modsætning til den italienske renæssance, som satte mennesket i centrum, er naturen altid hovedpersonen i Japan. Kunstnerne - fra Sesshū Tōyō, hvis monokrome landskaber virker som meditationer, til Hiroshige, som indfanger øjeblikkets flygtighed med sine farvetræsnit - forstår at hylde det flygtige, det forbigående. Selv i det 20. århundredes fotografi, f.eks. hos Daidō Moriyama, er denne fornemmelse for det flygtige stadig til stede: Kornede sort-hvide billeder, der indfanger det pulserende liv i Tokyo, ser ud som moderne modstykker til de gamle træsnit.
En overraskende detalje: Teknikken med farvetræsnit, som modnedes til perfektion i Japan, inspirerede senere de franske impressionister. Monet, van Gogh og Degas indsamlede japanske tryk, studerede den todimensionelle komposition, de dristige udskæringer og reduktionen til det væsentlige. Men mens maleriet i Frankrig blev en scene for lys, forblev det i Japan et sted for stilhed og kontemplation. Takeuchi Seihōs akvareller, for eksempel, hvor en enkelt trane står på en snedækket jord, fortæller os mere om den japanske sjæl end tusind ord. Og selv i dag, i Yayoi Kusamas samtidskunst, dukker de gamle mønstre stadig op: Prikker, gentagelser, legen med tomhed og fylde - et ekko af århundredgammel æstetik.
Enhver, der beskæftiger sig med japansk kunst, træder ind i et rum, hvor det usynlige er lige så vigtigt som det synlige. Her bliver det hvide papir til et hav, penselstrøget til et vindpust, motivet til en meditation. For kunstelskere og samlere af kunsttryk åbner der sig en verden, hvor hvert billede er en invitation til at stoppe op et øjeblik - og til at opdage det væsentlige i stilheden.
×
Passioneret kundeservice
+43 4257 29415
support@meisterdrucke.com
Mo-Do: 7:00 - 16:00 | Fr: 7:00 - 13:00
